En estos días oscuros, las etiquetas asesinan la empatía. Lo que no gusta se odia y lo que se piensa se impone. El estreno de la serie de The Last of Us de HBO me recordó que tenía una cuenta que saldar. Una obligación moral que debía cumplir. Un pequeño acto de justicia personal, ni humilde ni vanidoso, que nadie me ha pedido nunca. Tal vez por eso lo hago, y aquí y ahora dejo por escrito lo que estimo de un juego que me fascinó, en estos días oscuros.

En los videojuegos siempre hubo héroes y villanos. Extremo maniqueísmo, ridículo y pueril pero consentido. Protagonistas de figura inviolable con motivos que no se discuten y antagonistas que mueren. Negros y blancos que se abrillantan y barnizan, pero que pocas veces se acercan al gris.

The Last of Us, el clásico de 2013 para PS3, construía una dicotomía torturadora para su desenlace. Todo su desarrollo pasaba de puntillas por asuntos que pudieran plantear reflexiones incómodas. Su calidad no se puede cuestionar, ni la huella imborrable que dejó en millones de jugadores. Pero nunca he considerado que merezca acomodo entre los más grandes. Sin embargo, siete años después, en 2020, en un ambiente carcomido por fobias y filias en las redes y clichés dando martillazos en las cabezas, Naughty Dog trajo su secuela al mundo. Y lo hizo para sacudirlo. Porque el estudio californiano de Sony llevó los juegos de acción y sigilo en tercera persona hasta niveles desconocidos.

The Last of Us 2 es un manotazo. De esos que dejan rojas las dos mejillas. Como el de un padre a un hijo. A ese que crece mucho pero que no madura. El juego de Neil Druckmann navega con consecuencia contra la corriente. Es cruel con quien lo consume e implacable con el que lo comprende. Busca el rechazo de parte de los jugadores, por eso que no guste a todo el mundo es razonable. El título original era amado por todos. Y aunque la secuela está tan cargada de valor que roza lo temerario, se llena de argumentos para no temer a nadie al acicalarse con un envoltorio majestuoso y fusionar sus intenciones con una jugabilidad apabullante. Depositario de esa parte del legado de PlayStation definido por obras como Metal Gear Solid, Resident Evil, Shadow of the Colossus o Uncharted, toma el The Last of Us de 2013, le mete dos cuerdas más a su guitarra y la afina con virtuosismo para resquebrajar sus límites.

Cinco años después de los acontecimientos de TLOU, un viaje de venganza se convierte en un pecaminoso trayecto introspectivo. Nos recuerda que, en el mundo real, ese que nos mete de lleno en los juegos para evadirlo, toda acción tiene su reacción. Y las que generan los acontecimientos de la primera entrega vienen para rajar el alma con el más sucio de los cuchillos. Porque la narrativa no pretende gustar sino hacer que el jugador se retuerza. Un sufrimiento abrasivo y consciente que pone un cordón sanitario a lo de vender todo lo posible.

Porque sin Abby, TLOU sería solo un grandioso juego de acción y sigilo. Nunca ha habido un personaje que sacuda tanto tipo de emociones al manejarlo. Es un triunfo del videojuego como formato porque multiplica el componente que lo hace único. No vas a ver, ni leer, los motivos del enemigo. Vas a jugar con el verdugo. The Last of Us 2 golpea con inteligencia, donde somos débiles cuando más lo somos. Y golpea duro.

Transitar por el camino más peliagudo sin ninguna necesidad de hacerlo es una determinación llena de arrojo. Y también de acierto, aunque duela. TLOU no es una obra de zombis o sucedáneos, sino de humanos infectados de arriba a abajo por instintos primarios y sentimientos legítimos. No es la historia de Joel. Ni la de Abby. Ni la de Ellie. Es un ataque terrorista contra el egoísmo. Algo similar a lo que hizo Shadow of the Colossus, pero Neil Druckmann no ha sido tan magnánimo como Fumito Ueda.

TLOU2 es un espejo con tres caras que reflejan al jugador de modo más o menos nítido en cada uno. Un compendio de paralelismos entre Joel, Ellie y Abby: tres almas vengativas que aman, tres almas protectoras que odian. Tres perturbados despojos de un mundo postapocalíptico que luchan consigo mismos. El trabajo de Naughty Dog con todos los personajes, incluyendo un elenco nuevo de secundarios, es simplemente magistral.

Su narrativa se sustenta, principalmente, en cinemáticas, que suponen un tercio de sus 35 horas de duración. (Una segunda vuelta tiempo después de su salida, en modo superviviente, el más difícil, me llevó 22 horas omitiendo todos los vídeos). Pero el juego está repleto de planos y enfoques, documentos, paisajes, construcciones y conversaciones llenas de información en partida. Se esfuerza por tener utilidad en cada momento. Y lo consigue.

Pero más allá del mensaje y polémicas decisiones, con el mando en la mano es inmune a cualquier ataque razonable. El prólogo, como viene siendo habitual en el estudio, funciona tanto de tutorial como de expositor de circunstancias y motivaciones. Poco después, fusionando disparos, sigilo, exploración, combates cuerpo a cuerpo y gestión de recursos, TLOU2 se presenta como una aventura total que sabe encontrar los acordes precisos para hacer sonar todas sus mecánicas, en su conjunto, con maestría absoluta. No se le puede exigir el gunplay de Gears of War, ni la infiltración de MGS, ni la exploración de un sandbox o un metroidvania, ni el menú de un título de rol. Ofrece una experiencia profunda, larga y pulida que bebe de los clásicos, en lo jugable, y logra ser genuina por su control, variedad y equilibrio. El manejo de la combinación de todos sus elementos le sitúa en lo más alto de los juegos de su clase: es el survival de acción y sigilo definitivo.

Todos los componentes y mecánicas del original se ven potenciadas, aumentadas y calibradas. Las novedades se incrustan con el resto de elementos y llevan su jugabilidad un paso más allá en todos los palos que toca. Hay más armas, nuevos tipos de situaciones y de enemigos. Se añade la posibilidad de reptar y abrir fuego desde el suelo, un mayor número de opciones para pasar inadvertido y perros capaces de seguir nuestro rastro.

Ellie puede saltar y esquivar, es mucho más ágil, capaz y versátil que Joel, multiplicando las opciones en partida. Porque el juego ofrece libertad total para abrirnos paso en sus fases cerradas, más o menos grandes. Se puede superar sin enfrentarse a nadie, prácticamente. Pero en The Last of Us 2 la muerte se mira a los ojos. Y se muestra sin filtros, con toda la crudeza de un realismo que nunca peca de caer en la hipérbole. Al igual que en la primera entrega, debemos alternar nuestras herramientas de asesino llevando el combate a las zonas del escenario más favorables, pero el componente táctico de la acción se ha disparado respecto al juego de 2013. Los enemigos, todos identificados con su nombre y unas circunstancias, con una inteligencia y patrones mucho más pulidos, complejos y eficientes, actúan determinados por nuestro modo de jugar, el nivel de alerta y el entorno.

En cuanto a la exploración, los escenarios son mucho más grandes. Abiertos o cerrados, su diseño es extraordinario, están plagados de lógica, de trasfondo y de alternativas, y nos invitan y casi fuerzan a escudriñarlos para localizar recursos y abrirnos camino, aunque siga habiendo solo una salida posible. Exige moverse. No hay puntos seguros. Los enemigos son más versátiles y peinan cada hueco de cada tablero y se organizan de modo mucho más efectivo y lleno de peligro para cazarnos. También se añaden nuevos planos de verticalidad al incorporar cuerdas, el buceo y ciertos elementos plataformeros, y tampoco falta el empleo ocasional de determinados vehículos como caballos o botes.

La gestión de recursos gana en profundidad, levemente, permitiendo fabricar un mayor número de utensilios, munición y objetos. El combate cuerpo a cuerpo también se beneficia de la esquiva, y hay más animaciones para finalizar oponentes o interactuar con el entorno para hacerlo. No existe nada de la primera parte, en lo jugable, que TLO2 no mejore.

Es una superproducción con los más altos valores dentro de la industria. Con un enfoque cinematográfico de alto nivel. Una obra que ha necesitado de más de 2000 trabajadores para hacerse. Una bestia para los ojos y los oídos construida a conciencia, con conocimiento, y rematada con ahínco. Sus gráficos son superlativos. Sus animaciones son inigualables, incluso a 30 cuadros por segundo. Presenta un nivel enfermizo de detalle. Por poner algunos ejemplos, la sangre no luce del mismo color en todas las superficies, y cada arma y tipo de munición generan impactos y trozos de carne de distinto tamaño.

Su rendimiento es sólido, sin defectos, prácticamente, y el número de elementos en pantalla llega a ser masivo. Presenta entornos devastados en las ruinas, edificios y calles de Seattle. Vegetación desatada entre escombros y cascotes, y algunas localizaciones totalmente naturales, desde el trigo a la nieve. Naughty Dog tiró de sus más altos galones en el oficio con la iluminación y la paleta de colores, plasmando secuencias capaces de transmitir el frío o la suciedad y haciendo lucir hermosos incluso los parajes más lúgubres.

En lo referente al sonido, es igual de bueno que sus gráficos. Santaolalla firmó una BSO tan gloriosa como íntima, que sabe cómo y cuándo hacerse notar en su justa medida, unas veces para estremecer, otras para bailar en combates a muerte. Los efectos son exquisitos, apuestan por la fidelidad, lo realista y lo razonable; y lejos de solo sonar o funcionar como herramienta que ambienta, gozan de protagonismo y son funcionales en momentos de puro survival y de sigilo. En cuanto a las interpretaciones y voces, Naughty Dog trabaja a niveles que solo Rockstar conoce.

No obstante, incluso una obra como TLOU2 tiene sus imperfecciones. Abusa de los checkpoints. Se empeña demasiado en que el jugador no se atasque, y en alguna ocasión se esfuerza más de lo necesario para justificarse. Existe una evidente mejora en la IA de los enemigos, pero siguen siendo menos efectivos a la hora de detectar al compañero de turno. Es algo endémico en todos los juegos con acompañante perenne no manejable y muy difícil de corregir… salvo si se añade algún tipo de modo cooperativo, que sentaría a la franquicia como un guante. El combate cuerpo a cuerpo también se supera, pero sigue siendo poco profundo.

Sin embargo, Naughty Dog confirmó, una vez más, que el nivel de sus títulos está al alcance de muy pocos estudios. Que son capaces de descartar lo que el público demanda y ansía para asumir riesgos que otros ni se plantean. Y supo envolver su apuesta, el doloroso comunicado de Druckmann al mundo, con una jugabilidad que brilla como un diamante, sólida como el granito, diseñada y trabajada con rotunda sutileza para hacernos sentir lo que quiere que sintamos. Una obra que nos recuerda sin equivocarse que aún queda un largo camino para que los juegos gocen de la madurez de los libros y el cine. Pero es lícito, también, que haya gente a quien no le guste lidiar con lo de juzgarse a sí mismo desde el lado de la moneda que no ha elegido.

Más largo, profundo y refinado que el original, mucho más valiente y con intenciones más adultas y acuciantes, alberga todo cuanto se debe esperar de una secuela y no se queda en el salto técnico de un hardware más potente. Juego duro, cruel y por momentos despiadado, lleno de violencia explícita, sangre y salvajismo que el amor, casi siempre mal entendido, al final somete. Druckmann construyó una obra comprometida llena de intenciones para alcanzar un lugar donde pocos juegos transitan. Hizo llegar su mensaje de un modo que solo puede hacerse jugando: tomando el control de un verdugo que no lo es tanto. O al menos no más verdugo que nosotros mismos… o nuestro ser más querido. TLOU2 nació con una diana en el pecho. Pero es el mejor juego de Naughty Dog. Posiblemente sea el mejor juego de PS4. Y también es uno de los mejores juegos de la historia.

(Decía un sabio maestro que tuve, y a quien Dios tenga en su memoria, que las cosas no son como son. Las cosas son como se perciben).

Es digno de alabar, también, el uso de la libertad creativa de Naughty Dog para hacer las concesiones políticas y sociales, o reivindicaciones, que estime, y que refuerzan el mensaje y se comprometen, pero que tienen poca relevancia en lo jugable. En 2013, el estudio fue libre para convertir al héroe en genocida, en parte pasivo, pero siempre consciente; y en 2020, también para hacer que sus crímenes contra la humanidad no quedaran impunes. La imagen de la muerte de Joel atormenta la mente de Ellie durante toda la aventura. Alimenta su odio y justifica su recorrido de sádico egoísmo. Pero cuando Ellie está a punto de matar a Abby, ya no vislumbra su muerte al pensar en él. Ellie recuerda a Joel tocando la guitarra.

La empatía y responsabilidad adquiridas por Abby durante su arco frenan su mano y le impiden matar a Ellie. El amor de Joel salva a Ellie dos veces. La primera, en el juego de 2013, de un sacrificio voluntario que daría una oportunidad al mundo. La segunda, en la secuela de 2020, de convertirse en el peor ser humano de todos, en el último de nosotros. The Last of Us es es la mayor crítica y la mayor alabanza que se puede hacer al amor, en estos días oscuros.

¡Suscríbete a nuestro canal!

Evil West se juega todo a su sistema de combate. Fusiona el beat´em up y el Third Person Shooter con habilidades y munición cuyo uso solo limita un sistema temporal de reutilización. Las armas de fuego tienen mucho peso, pero Evil West es un sobrino bastardo de Dante y de Kratos. Tiene mucho de Doom, por su salvajismo, finalizaciones y frenetismo; y también de Gears of War, referente de referentes entre los shooters objetivos modernos. También recuerda a God Hand, hasta cierto punto. Pero Evil West se las apaña, en estos tiempos que corren, para ser genuino.

Visualmente, es como un juego de PS3 o 360 extremadamente bien optimizado y pulido. Sin alardes ni aderezos cosméticos poco operativos, luce simplemente como necesita hacerlo. Rinde sin petardeos en combates masivos, llenos de efectos y de enemigos, aunque la paleta de colores acaba coqueteando con la monotonía. Los escenarios llegan a ser circunstanciales. No obstante, hay una cierta intención de llevar la acción a diversos entornos. Los que transcurren en lugares típicos, y míticos, del Oeste, son los más trabajados a todos los niveles y dignos de cualquier buen western que se precie. El sonido destaca más veces de las que cumple, que también lo hace, en ocasiones. La música tiene buenos cortes. Los efectos son sensatos y rotundos, y también las voces.

Evil West puede superarse en menos de 15 horas o en algo más de 10, según la habilidad de cada uno. Pero está hecho para rejugar sus misiones prácticamente desde el principio. Los cinco niveles de dificultad dan para mucho. Incluso en el modo normal, la segunda mitad del desarrollo se convierte en un desafío. Sin farmeos y con recursos finitos, el menú maneja un amplio y variado árbol de habilidades y mejoras. El catálogo de armas y herramientas es devastador. El acceso a todo nuestro arsenal en partida es absoluto, está bien implementado en los controles y comandos, y no tarda demasiado en hacerse muy intuitivo.

Su fuerte componente beat´em up pasa por un guantelete mecánico… y eléctrico: el ingenio de Tesla al servicio de la matanza. Un sistema de núcleos de energía regula su abanico de posibilidades. Evil West no es tan profundo como un hack & slash, pero su sistema de combate cuerpo a cuerpo no tiene nada de pobre. Alterna los golpes con los tiros, pero no lucha tan bien como dispara. La ausencia de un modo de fijar enemigos le mutila, en parte, y presenta desajustes de calibración en el daño y los patrones de los que quedan fuera de nuestro campo de visión. No hay sistema de coberturas y su componente táctico es rústico: pasa por elegir el orden para usar todo y liquidar tipos de enemigos.

En los combates, algunos entornos presentan elementos interactivos, que obligan a saber posicionarse y a llevar las peleas a terreno óptimo. Y enemigos, hay muchos, y de muchos tipos. Pero acaban siendo más recurrentes de lo debido. La reutilización de subjefes se emplea sin compasión en todos los sentidos. También esconde algo de exploración, rebuscar entre pasillos, y debe hacerse, porque los recursos son finitos. Invita y casi obliga a rejugar (e incorpora un cooperativo). Los niveles calcan su estructura casi siempre. Hay un hueco minúsculo para los puzles y algún pequeño tramo que se descarrilla para disparar sobre raíles.

Su ambientación es buena. Su trama es relleno puro. Un western con demonios y vampiros con muchos personajes interesantes y un protagonista mal escogido. Evil West es una sucesión de combates en espacios acotados donde sus creadores ponen a prueba al jugador y el jugador pone a prueba todas las herramientas que los creadores le han dado. Se construye con la honestidad de quien se aleja de lo inabarcable para recordar que el videojuego siempre ha sido un desafío. Camina con pasos demasiado rígidos, pero se llena de razones por las enormes posibilidades de su arsenal en encontronazos de intensidad rotunda.

Resulta casi un anacronismo. En estos días de tanto fuego de artificio, Evil West es pura dinamita. Apuesta hasta el último puñado de dólares a la acción más furiosa y reniega de todo lo demás sin ningún tapujo. Una obra elaborada con trozos del alma de God of War, Doom, Gears of War y Devil May Cry. Te pone a sortear el caos durante prácticamente toda la partida a base de hordas, jefazos y subjefes, y te capacita con competencia para contener sus acometidas y mandarlos a todos de vuelva a su infierno de cobardes. Un juego de otra época que sabe cómo usar lo de hoy para crecer, en lo profundo, y que te absorbe como un vampiro. Evil West abarca poco, pero aprieta mucho.

Nota: Hemos realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de nuestro bolsillo

Versión analizada: PS4

¡Suscríbete a nuestro canal!

Nunca he ocultado mi amor por Ghouls’n Ghosts. De entre todos los títulos de sir Arthur, siempre me pareció el mejor. No soy el único. Ya en el 89 del siglo pasado, EGM galardonó la versión de Yugi Naka para Mega Drive como juego del año. Algo que no volvería a suceder con ninguna de las secuelas y derivados que han venido llegando, ocasionalmente, hasta hoy. Ghouls´n Ghosts, sin salirse del esquema original, supo escarbar en la fórmula y encontró la manera de incorporar y afinar en su jugabilidad cada novedad que aportó. Porque esto no va de ofrecer más. Esto es el arte de conjugar lo que ofrezcas. Tomar la base de una obra tan rotunda como Ghosts’n Goblins para construir otra no tiene nada de novedoso, y enmarcar juegos dentro de un universo castizo tiene numerosos referentes en la época dorada del software español. Nuestra tradición se nutre de grandes títulos como Camelot Warriors, Sir Fred, Sir Lancelot, Don Quijote, El Cid, El Capitán Trueno, Jabato…

Mucho ha llovido desde entonces, y el enorme auge del videojuego independiente viene haciendo posible que creadores con recursos escasos, altas dosis de experiencia a ambos lados del monitor y talento del que se riega con la dedicación, nos regalen joyas como Maldita Castilla. El boquerón Juan Antonio Becerra (A.K.A. Locomalito) se marcó en 2012 un tributo a la saga del maestro Fujiwara lleno de saber hacer a la hora de combinar todo cuanto pone en partida. EX es la versión mejorada y aumentada del juego original. Un ejercicio ejemplar de edición y publicación de Abylight para dar el empaque y el escaparate que Maldita Castilla merece.

Maldita Castilla es, por encima de todo, una oda a Ghosts’n Goblins. Pero antes que nada, es un exponente sobradamente notable de un género inmortal de jugabilidad indestructible: un plataformas de acción con scroll lateral. También bebe, en menor pero cierta medida, de otros muchos títulos como Black Tiger, Pang, Shinobi, Rygar, Tiger Road, o el arcade de Willow… por el que tampoco he ocultado jamás mi devoción absoluta, incluyendo su despiadada segunda fase con Madmartigan en el carro, que Locomalito honra, con más sentido común y también como megáfono para declarar intenciones. Sin perder la perspectiva de que lo homenajeado fueron arcades, el juego sabe premiar a quien lo funde, sin continuar, a quien lo exprime y lo supera sin las ayudas del videojuego moderno, que tampoco le faltan.

El protagonista de Maldita Castilla es Don Ramiro y su periplo se ambienta en España: tierra de caballeros. Las referencias no se quedan en los juegos: Amadís de Gaula, Don Quijote o Alfonso VI de León, derrotado en Sagrajas y Uclés, pero por siempre ligado al más ilustre caballero de nuestra historia: Rodrigo Díaz de Vivar, el Cid Campeador, algo más que una referencia para Don Ramiro. También incorpora guiños a nuestras banderas culturales, más universales que nadie: Cervantes y Velázquez. En lo visual, Locomalito contiene la tentación de emplear las capacidades de la tecnología actual para hacer un producto más llamativo.

El control es rústico y no alcanza los niveles de precisión de otros títulos independientes. Maldita Castilla exige, como antaño, con picos severos pero razonables, y no busca la excelencia técnica ni ofrecer más gráficos de los que necesita; sin muchos planos de scroll, sin gigantescos sprites, aunque Ramiro es más grande que Arturo y calca su movilidad en las secuelas del título original, como la capacidad de disparar en cuatro direcciones que introdujo Ghouls’n Ghosts, o el empleo circunstancial del doble salto de la secuela de Super Nintendo. Maldita Castilla apuesta por una sola armadura y la variedad de armas, sin magias, y un segundo ítem que funciona bien como objeto necesario o bien como power up. En la versión EX que publica Abylight, Maldita Castilla contiene un total de 8 niveles, 4 finales, 19 jefazos y 48 tipos de enemigos: criaturas de nuestros mitos astures, cántabros o griegos. Cada cofre de arma permite elegir entre todo el catálogo, y cada una cuenta con su ratio potencia-cadencia-rango-curvatura de tiro que la hacen única.

Maldita Castilla también quiere que explores, sin ínfulas de nada. Escudriñar sus secretos es imprescindible para superar el juego con distintos finales, que no obligan a una segunda vuelta como los juegos de Capcom, pero que invitan a rejugarlo llenándose de razones. El desarrollo, en momentos puntuales, rompe la rigidez del avance, vulnera la estructura previsible sucediendo jefes o haciéndonos volver sobre nuestros pasos. También alberga fases de bonus, poco determinantes. Las bondades de la modernidad se centran en incorporar elementos destinados a exprimir y afinar la experiencia y a que se sepa ubicar en su sitio lo que su creador hace. Locomalito sabe que un juego así no se entiende por completo sin una mentalidad arcade en quien lo juega. Un jugador que no tenga reparos en superarlo sin parar de continuar jamás apreciará Maldita Castilla en su totalidad. El desafío es alcanzar el control de todo cuanto te da. Te obliga a memorizar, como antaño, a aprender a calibrar, a perder el miedo al error y la vergüenza al ensayo. Porque en Maldita Castilla todo sabe como antes. Un canto al pixel… y al chiptune. Con Gryzor87 (A.K.A. Javier García) a la batuta para formar un tándem con Locomalito que ha sabido darle solidez corpórea a un proyecto lleno de intangibles.

Maldita Castilla, plenamente consciente de la suma importancia del apartado auditivo, suena a nostalgia bien entendida, con el saber estar marcando el compás. Un juego así te traslada a una época en la que las virguerías visuales eran limitadas. En unos hardwares que daban para lo que daban, el sonido fue, en su día, todavía más esencial que en estos tiempos que corren, donde abundan bandas sonoras igual de grandilocuentes que insulsas. Gryzor87 busca la épica de los péplum hiperbólicos del cine de mediados del siglo XX, con su sello particular, y danzando en una Mega Drive y un Yamaha YM2203 logra lo que pocos consiguen: hacer que el juego sea mejor. Aunque se contenga, hay ramalazos en Gryzor87 que reverberan a aquellos genios que tanto sacudieron sus oídos como Yuzo Koshiro o Tamayo Kawamoto. Sus composiciones para Maldita Castilla fueron premiadas en 2013 y el tema principal ha sido interpretado por la filarmónica de Málaga y la orquesta Game & Symphonies.

Y el juego español de demonios suena como los ángeles, pero aquí se viene a jugar. Y hay sistemas de jugabilidad poco complejos pero infalibles si se saben afinar. Mucho error y mucho ensayo. Pero que al superarlos regalan eso que hace al videojuego único. Maldita Castilla es un homenaje a ese tipo de juegos. Es uno de ellos. Un tributo rebosante de descaro legitimado por el culto sincero del creador por la obra de uno de los más grandes: Tokuro Fujiwara. Locomalito se desnuda en Maldita Castilla y construye junto a Gryzor87 un nuevo Ghosts’n Goblins, nada menos. Pero por dignidad y vergüenza no deja a Don Ramiro en calzoncillos, claro que no.

¡Suscríbete a nuestro canal!

Cory Balrog pasa a ser productor y deja su lugar en la dirección a Eric Williams, veterano de la casa que se marca un juego más complejo, largo y completo a todos los niveles, pero menos íntimo y genuino. No obstante, su sello es incontestable. Responsable de combates desde la entrega original dirigida por David Jaffe en 2004, ha colaborado o participado en títulos como Dante´s Inferno o Darksiders.

Los niveles de refinamiento, variedad y complejidad del sistema de combate de su Ragnarok le convierten, con la espada en la mano, no solo en el mejor de la saga, sino en el nuevo referente. En combate, la cámara y la ausencia de salto que Balrog introdujo en 2018 le siguen haciendo único, y las mejoras, capas de profundidad y niveles de utilidad real durante la acción de la secuela de Williams llevan el concepto de cortar y rajar a las cotas más altas que se conocen.

El ramillete de armas, habilidades, movimientos, reliquias (magias), amuletos (habilidades pasivas), ataques rúnicos (especiales), gestión y empleo del acompañante y tres tipos distintos de furia espartana componen un catálogo excelso, afinado y enorme, que un elevado número de enemigos distintos, con una barra de vida y otra de aturdimiento y de formas de eliminar de diversa índole, ponen a prueba de modo constante. Williams declaró en su día que nunca pretendió igualar la complejidad del sistema de combate de Devil May Cry en el God of War original. Se buscó una propuesta equilibrada entre exploración, puzles y combates. Desde la tercera entrega (PS3), dio a Kratos la opción de alternar sus armas en tiempo real para hacer combos tan vistosos y espectaculares como necesarios y eficientes. Como director de Ragnarok y sobre el concepto de encadenar los ataques más poderosos, Williams ha centrado recursos en lo que más le gusta y mejor conoce. Y el resultado es de maestro.

Los escudos, sus soportes y el contraataque ganan peso y concatenar combos y ataques especiales con armas distintas desencadena beneficios tanto activos como pasivos. Sea cual sea el personaje manejable, cuenta con constante y obligado acompañante que aporta profundidad, opciones, más elementos para gestionar en el combate, y la necesidad de aprender a equiparle y usarle según la táctica que se adopte. Atreus, jugable en varias fases, ofrece una jugabilidad similar a la de su padre que el arco la hace bailar, sin embargo, con el shooter táctico, si se prefiere. Porque Ragnarok no impone cómo se debe jugar. La acción visceral y ultraviolenta característica de God of War fluye de manera orgánica, como siempre, pero como nunca. El control es exquisito, los combos se lubrican y entran con suavidad y el grado de calibración de timings y hitboxes es de precisión enfermiza.

El sistema de combate se liga de manera íntima a un complejo equipo de protección que consta de tres tipos de piezas diferentes y la armadura del acompañante. Ni Kratos ni ningún protagonista de hack & Slash etiquetado o reconocido contó jamás con un menú tan lleno de opciones, con tantas horas de juego, con tanto contenido. Hay que irse al RPG para superarlo. Y no todos lo hacen. Poco permisivo con el farmeo. Las posibilidades de personalización son inmensas. Sabe cómo dar lo que busca quien juega en cualquiera de los cinco modos de dificultad que ofrece.

Pero hablar de hack & slash es minusvalorar God of War. En Ragnarok, la violencia de sus combates se vuelve a envolver en la hipérbole, la acción sigue reinando y somete, pero también se conjuga una amalgama de elementos de géneros, minijuegos y mecánicas: puzles, exploración, gestión de recursos, evolución, quick time events y cooperación. Hablar de God of War Ragnarok es hacerlo de una aventura rotunda. Un triunfo del single player y una lección de cómo construir un juego de toda la vida en 2022.

La exploración vuelve a sustentarse en dos pilares claves, desde sus inicios, de la franquicia: los puzles y la verticalidad, ausente en el título anterior. Y el añadido multiplica la magnitud de los escenarios y el ingenio necesario para conocer todos sus caminos. Los entornos son gigantescos y algunos constituyen un inmenso puzle en sí mismos. El diseño de los niveles es magnífico. Llenos de secretos, coleccionables, cofres, enemigos escondidos, misiones secundarias, puntos de herrería, que obliga a volver a fases resueltas con nuevas herramientas adquiridas, y completar por completo todos los escenarios es de una envergadura inusual en un título sin mundo abierto. Que mutila las ganas de nueva partida + a favor de seguir jugando después de superar su combate final, hasta haber resuelto cada reto que plantea. Hasta haber derrotado al último oponente. Hablar de pasillero con un juego así es ridículo, a pesar de su naturaleza lineal. Y hablar de machacabotones es simplemente absurdo. Alta duración, muy superior a la de cualquier hack & slash, con un contenido post-partida que ofrece lo mejor de la obra.

Con Ragnarok, Kratos vuelve a cabalgar en la épica, a pesar de manejar la escala de modo más razonable, algo más alejado de la grandilocuencia desorbitada de la saga griega. Técnicamente es incuestionable. Animaciones soberbias, diseño artístico inspirado y rendimiento sólido. Su música es sensacional, y el doblaje, o las voces en VO, son magníficas. Ha sabido subsanar las ínfimas carencias del anterior, añadiendo un buen número de jefazos y subjefes. MUSICÓN de Bear McCreary, que repite tras su trabajo en la entrega anterior.

Juego al que solo mutila su naturaleza intergeneracional, que le pasa factura en términos de pulido. El juego adolece de bugs ocasionales y glitches, más molestos que importantes y que no afectan a la historia ni a los trofeos, pero el acabado de Ragnarok es el único aspecto en el que no supera al juego de 2018. En todo lo demás, Ragnarok es una evolución lógica y precisa del título anterior, que hace madurar aún más la franquicia al humanizar a Kratos, que se convierte en leyenda. Juego más serio a todos los niveles, también en cuanto a la trama y el trato de personajes. La manera de acoplar todo en los mitos nórdicos y que encajen es efectiva y ofrece una perspectiva bien hilada que no chirría. La relación paterno filial empapa toda la obra, desde la trama hasta la jugabilidad. La madurez del hijo que hace madurar al padre. La enorme distancia del Kratos griego que nada teme y del nórdico con pánico a perder a quien ama.

Y la base del juego de Cory Balrog de 2018 confirma que vale oro. Una joya imponente de jugabilidad indestructible sobre la que crecer. Un futuro que promete, nos lleven donde nos lleven los pasos de Kratos, cuyo carácter se doma, pero sus formas son las mismas. La violencia y la brutalidad siguen regando las venas de la bestia de Santa Monica y Kratos desata su cólera una generación más en una obra maestra. Una furia y brutalidad que solo su componente explorador y un menú contundente sujetan, que sabe ubicar y alternar las partes racionales y las de habilidad reactiva y acción desenfrenada. Su sistema de combate es el legítimo monarca, y como aventura absoluta refuta su posición entre las deidades.

Las fases que rinden tributos dignos de dioses al Templo de Pandora del God of War original. Escenarios que son acertijos llenos de capas de distintos tipos de jugabilidad. Una aventura que es mucho más que un hack & slash, que arranca sensaciones idénticas a las de God of War 2, el mejor juego de la franquicia. Solo su pulido irregular impide a God of War Ragnarok igualarle. Tal vez, cuando volvamos a tomar por las crines a Kratos. Porque al Dios de la guerra, al rey de las aventuras de acción, no se le pueden poner riendas.

Nota: Hemos realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de nuestro bolsillo

¡Suscríbete a nuestro canal!

Después del doloroso batacazo del anterior juego de las Tortugas Ninja que perpetró Activision vía Platinum, Nickelodeon era reacia a dejar la licencia en manos de nadie. Pero después de años de aproximaciones entre Dotemu y el canal de televisión estadounidense, el éxito de Wonder Boy: The Dragon´s Trap, a todos los niveles, acabó haciéndolo posible. Y para una nueva obra de las Tortugas se acudió a Tribute, estudio fundado por los ex de Ubisoft Jean-Francois Major, Jonathan Lavigne y Justin Cyr, que figuran entre los responsables de Scott Pilgrim vs The World y el TMNT de Game Boy Advance. Decisión inteligente y acertada de Dotemu que el resultado confirma.

Si bien Shredder´s Revenge es el juego de las Tortugas más largo, completo y profundo, así como un avanzado exponente de su género en los días que corren, se queda a medias a la hora de calibrar lo que da para que se emplee. Su compromiso con el nivel de exigencia de los arcades originales es nulo, y el enorme repertorio de golpes, magias y combinaciones que ofrece funciona bastante más como adorno que como herramienta para necesidades. Apenas demanda habilidad a los mandos ni tiempo de meditar las opciones para afrontar situaciones. Apretando dos botones a la vez de modo compulsivo se puede superar cualquiera de los dos modos que ofrece en el nivel medio de dificultad, atentando contra la virtud como brawler y la identidad de lo que viene a honrar.

Los viejos juegos de las Tortugas de Konami no apostaban por el choque tan frontal como los beat´em up de Capcom o el Streets of Rage de Sega. Nunca fue aconsejable quemar el combo clásico que se encadena al usar el comando de ataque. Antaño, cada ítem y trampa o elemento del escenario que ayudara a mitigar el acoso enemigo era indispensable. Aquí no. Pero compensa, en parte, por el mimo que Tribute le ha puesto en todo lo demás. El nivel de identificación de cada personaje es muy elevado, con movimientos y magias únicas, o el doblaje de su correspondiente voz original de la serie. Su esfuerzo por diferenciar a los protagonistas, aún más, con tres parámetros básicos se agradece, pero resulta prácticamente irrelevante. La duración del juego es elevada en el modo Arcade y no demasiado alta ni estimulante en el modo Historia, que comparten las 16 fases.

Un respetuoso golpe de la nostalgia

A nivel visual, se ha optado por el pixel art para ligarlo más a las obras originales y al espíritu de aquellas placas de los salones. En cuanto al sonido, si bien los efectos pasan demasiado desapercibidos, los cortes musicales brillan con temas que firman artistas como el rapero Mega Ran, el guitarrista Jonny Atma o algunos integrantes del grupo de hip-hop Wu-Tang Clan.

Para dotar de variedad al desarrollo simplista del brawler se ha optado por rescatar, y hacer más numerosas, las fases en skate, que apenas aportan leves matices a la jugabilidad. Se ha incorporado una barra de ataques especiales, y un sistema de progresión para atributos y magias, que ameniza las horas a sus mandos, pero en ningún momento se hace de verdad necesario salvo si se juega en niveles altos o se pretende superar alguno de los retos de los logros/trofeos. El juego está bien calibrado en todo lo relacionado con el control, hitboxes y el sistema de impactos, pero no se arrima a la excelencia ni goza de la precisión de otros exponentes del género recientes.

La variedad de enemigos es alta, pero tiene poco peso. Los ninjas de Shredder y los robots de Krang son muy vulnerables. Los bosses, infernales en los arcades, son trámites. Las trampas, algunas nuevas y otras reconocibles, castigan demasiado poco. Sin embargo, su multiplayer es rotundo y el elemento que dispara el juego hasta lo sobradamente notable. Si bien el caos imperante en partidas masivas es transversal a casi todos los beat´em ups y TMNT Shredder´s Revenge no se escapa, su diseño y carácter desenfadado le favorecen en este aspecto.

Teenage Mutant Hero Turtles y Turtles In Time eran juegos simples, pero complejos. Nunca tuvieron tantas opciones en combate como otros brawlers, pero jamás fueron títulos asequibles, y el nivel de pericia y de aprendizaje que requerían para superarse eran elevados. TMNT Shredder´s Revenge se aleja de la naturaleza tragamonedas de los originales y de lo que implica a la hora de exigir a quienes lo juegan. No obstante, se ha potenciado y ampliado todo lo que los clásicos ofrecen, y nunca antes se vieron Tortugas con semejante repertorio de ataques y posibilidades. Obra altamente rejugable, y un título del que tirar en visitas y partidas rápidas sin fallo; perfecto para iniciar a jugadores jóvenes, simple y llamativo, con personajes llenos de carisma para todos los públicos.

Disfrazan un producto altamente comercial con la nostalgia de su aspecto pixel art, lo honran al hacerlo más profundo y más largo y lleno de opciones de juego que ninguno, una banda sonora a la altura y respeto por los personajes. Una obra que no llega a los niveles de los grandes de su género más modernos, pero que ofrece contenido y posibilidades como ninguno. Que sabe dónde hacer los sacrificios y cómo compensarlos. Sabe justificar los sacrificios en la medida de lo posible. Hay sacrificios que son imposibles de esconder, pero Dotemu ha sabido justificar hasta donde le ha sido posible.

Así pues, Dotemu y Tribute han tomado un producto antaño exigente y se han tirado de cabeza a las piscinas más comerciales, pero logran llevar un beat ´em up de las Tortugas Ninja hasta máximos históricos en cuanto a acabado, opciones, horas de vida útil y posibilidades en combate. Sim embargo, resulta tan asequible que revienta el calibrado de la utilidad de tanto nuevo repertorio. Ese desequilibrio termina por afectar a otra de sus bondades: la duración. El nivel de desafío no termina casi nunca por compensar la simplicidad de las mecánicas de un brawler.

No obstante, TNMT Shredder´s Revenge es el juego más completo y más lleno de contenido de las Tortugas Ninja. Un beat´em up sobradamente notable, lleno de movimientos, de personajes y de fases, con un multijugador incontestable. Destinado a jugadores de toda clase, más efectivo entre los más jóvenes y los más nostálgicos, pero de manera consciente. Porque sus defectos no son errores, y Dotemu vuelve a dar en el blanco.

Videoanálisis

¡Suscríbete a nuestro canal!

La mascota de Nintendo. Incluso, la mascota del videojuego. El personaje más famoso del medio. El icono de su industria. Mario ha vendido más de 550 millones de juegos, lo que le convierte en la franquicia más vendida de todos los tiempos. Fue uno de los tres primeros personajes en incorporarse al Paseo de la Fama de los Videojuegos (Walk of Game) en 2005, junto a Sonic y Link (también creado por Shigeru Miyamoto para NES). Mario fue el primer personaje de un videojuego en tener su propia figura en el Museo de Cera de Hollywood en 2003. En 1990, era más popular que Mickey Mouse para los niños norteamericanos.

Mario es el personaje favorito de su creador y ha sido elegido mejor mascota, héroe favorito o mejor personaje en innumerables listas y premios. Su éxito supuso el desarrollo de numerosas secuelas, juegos derivados e imitadores. NES contó con dos continuaciones directas de Super Mario Bros, la serie principal de la franquicia, que cuenta con más de 15 obras. Super Mario 64 es ampliamente considerado uno de los mejores, más influyentes y revolucionarios videojuegos de todos los tiempos. El enorme éxito de sus juegos le ayudaron a posicionarse como icono cultural global. Las partituras que Koji Kondo compuso para Super Mario Bros también forman parte de la cultura popular.

Junto a NES y Shigeru Miyamoto, Super Mario Bros forma la trinidad que salvó el videojuego de la peor crisis que ha padecido. Fue empleado por la Electronic Frontier Foundation para revocar la ley que prohibía los juegos violentos en California. Ha generado productos en otros medios, como una película de anime y otra de acción real protagonizada por Bob Hoskins y John Legizamo como Mario y Luigi, y series de televisión. Mario ha suscitado la creación de numerosos fangames, y Yuji Naka cita a Super Mario Bros como su mayor inspiración para crear Sonic The Hedgehog.

Como icono de la cultura pop, además de cómics, series y películas, ha aparecido en líneas de ropa, revistas, caramelos, champús, cereales, muñecos, juegos de mesa o cortometrajes. Los futbolistas Mario Gotze, Mario Gómez y Mario Balotelli, el ciclista Mario Cipollini, y el jugador de hockey Mario Lemieux son conocidos con el apodo de “Super Mario” y, en Zaragoza, la “Avenida de Super Mario Bros” lleva su nombre. Mario es reconocido en el Libro Guinness de los Records con varios records mundiales: “Serie de videojuegos más vendida de la historia”, “Primera película basada en un videojuego”, “Personaje de videojuego más prolífico” o “Mejor personaje de videojuegos de todos los tiempos”, elegido en una encuesta entre lectores. Apareció en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2016 para promover los Juegos de 2020 de Tokyo, y el 10 de marzo es el Día Nacional de Mario en Japón.

Pero por encima de todo, Mario es el emblema, el símbolo, la bandera y la imagen del Videojuego. Super Mario es el Rey de los Videojuegos. Su legado es la industria de los videojuegos que hoy conocemos.

Larga vida al Rey.

Secuelas y juegos

• Donkey Kong (Arcade, 1981)
• Donkey Kong Jr. (Arcade, 1982)
• Mario Bros (Arcade, 1983)
• Donkey Kong II (Game & Watch, 1983)
• Donkey Kong 3 (Arcade, 1983)
• Mario’s Cement Factory (Game & Watch, 1983)
• Mario’s Bombs Away (Game & Watch, 1983)
• Tennis (NES, 1984)
• Mario Bros. Special (NEC PC-8801, 1984)
• Punch Ball Mario Bros. (NEC PC-8801, 1984)
• Donkey Kong Circus (Game & Watch, 1984)
• Donkey Kong Hockey (Game & Watch, 1984)
• Golf (NES, 1984)
• Pinball (NES, 1984)
• Wrecking Crew (NES, 1985)
• Super Mario Bros (NES, 1985)
• Super Mario Bros (NEC PC-8801, 1986)
• Super Mario Bros 2 (Famicom, 1986)
• All Night Nippon (Famicom, 1986)
• I am teacher: Super Mario Sweater (Famicom, 1986)
• Vs. Super Mario Bros (Arcade, 1986)
• Punch-Out!! (NES, 1987)
• Super Mario Bros 2 (NES, 1988)
• Super Mario Bros 3 (NES, 1988)
• Kaettekita Mario Bros (Famicom, 1988)
• Super Mario Land (Game Boy, 1989)
• Dr. Mario (Game Boy, 1990)
• Super Mario World (SNES, 1991)
• Mario Roulette (Arcade, 1991)
• Super Mario Bros & Friends (DOS, 1991)
• NES Open Tournament Golf (NES, 1991)
• Mario the Juggler (Game & Watch, 1991)
• Mario Teaches Typing (DOS, 1991)
• Yoshi (NES, 1991)
• Super Mario Bros Print World (DOS, 1991)
• Mario Paint (SNES,1992)
• Super Mario Kart (SNES, 1992)
• Super Mario Land 2 (Game Boy, 1992)
• Yoshi’s Cookie (NES, 1992)
• Mario is missing! (DOS, 1992)
• Mario Undoukai (Arcade, 1993)
• Yoshi’s Safari (SNES, 1993)
• Mario & Wario (SNES, 1993)
• Mario’s Time Machine (SNES, 1993)
• Yoshi no Cookie (SNES, 1994)
• Wario Land: Super Mario Land 3 (Game Boy, 1994)
• Mario’s Early Years. Fun with letters (SNES, 1994)
• Mario’s Early Years. Fun with numbers (SNES, 1994)
• Mario’s Early Years. Preschool Fun (SNES, 1994)
• Hotel Mario (CD-i, 1994)
• Donkey Kong (Game Boy, 1994)
• Undake30 Same Game Dalsakusen (Super Famicom Satellaview, 1995)
• Mario’s Game Gallery (DOS, 1995)
• Mario’s Picross (Game Boy, 1995)
• Mario’s Tennis (Virtual Boy, 1995)
• Super Mario World 2: Yoshi’s Island (SNES, 1995)
• Mario’s Super Picross (SNES, 1995)
• Mario Clash (Virtual Boy, 1995)
• Super Mario RPG (SNES, 1996)
• Super Mario 64 (Nintendo 64, 1996)
• Picross 2 (Game Boy, 1996)
• Mario Kart 64 (Nintendo 64, 1996)
• Mario Teaches Typing 2 (Windows, 1997)
• Excitebike: Bun Bun Mario Battle Stadium (Super Famicom Satellaview, 1997)
• Wrecking Crew 98 (SNES, 1998)
• Mario no Photopi (Nintendo 64, 1998)
• Mario Party (Nintendo 64, 1998)
• Super Smash Bros (Nintendo 64, 1999)
• Mario Golf (Nintendo 64, 1999)
• Mario Artist: Paint Studio (Nintendo 64 DD, 1999)
• Mario Party 2 (Nintendo 64, 1999)
• Mario Artist: Talent Studio (Nintendo 64 DD, 2000)
• Mario Artist: Commiunication Kit (Nintendo 64 DD, 2000)
• Mario Tennis (Nintendo 64, 2000)
• Paper Mario (Nintendo 64, 2000)
• Mario Artist: Polygon studio (Nintendo 64 DD, 2000)
• Mario Party 3 (Nintendo 64, 2000)
• Super Mario Advance (Game Boy Advance, 2001)
• Dr. Mario 64 (Nintendo 64, 2001)
• Mobile Golf (Game Boy Color, 2001)
• Mario Kart: Super Circuit (Game Boy Advance, 2001)
• Mario Family (Game Boy Color, 2001)
• Luigi’s Mansion (Gamecube, 2001)
• Super Smash Bros. Melee (Gamecube, 2001)
• Super Mario World: Super Mario Advance 2 (Game Boy Advance, 2001)

• Super Mario Sunshine (Gamecube, 2002)
• Yoshi’s Island: Super Mario Advance 3 (Game Boy Advance, 2002)
• Mario Party 4 (Gamecube, 2002)
• Super Mario Fushigi: No JanJan Land (Arcade, 2003)
• Mario Party-e (Game Boy Advance, 2003)
• Super Mario Bros Advance 4: Super Mario Bros 3 (Game Boy Advance, 2003)
• Mario Golf: Toadstool Tour (Gamecube, 2003)
• Mario Kart: Double Dash (Gamecube, 2003)
• Mario Party 5 (Gamecube, 2003)
• Mario & Luigi: Super Star Saga (Game Boy Advance, 2003)
• Mario Golf: Advance Tour (Game Boy Advance, 2004)
• Mario Vs Donkey Kong (Game Boy Advance, 2004)
• Paper Mario: The thousand year door (Gamecube, 2004)
• Mario Pinball Land (Game Boy Advance, 2004)
• Super Mario Fushigi: No Norokoro Party (Arcade, 2004)
• Mario Power Tennis (GAmecube, 2004)
• Mario Party 6 (Gamecube, 2004)
• Mario Party Advance (Game Boy Advance, 2005)
• NBA Street V3 (Gamecube, 2005)
• Yoshi Touch & Go (Nintendo DS, 2005)
• Yakuman DS (Nintendo DS, 2005)
• Dance Dance Revolution (Gamecube, 2005)
• Mario Superstar Baseball (Gamecube, 2005)
• Super Tennis: Power Tour (Game Boy Advance, 2005)
• Mario Kart Arcade GP (Arcade, 2005)
• Super Mario Fushigi: No Norokoro Party 2 (Arcade, 2005)
• SSX On Tour (Gamecube, 2005)
• Super Princess Peach (Nintendo DS, 2005)
• Mario Party 7 (Gamecube, 2005)
• Mario Kart DS (Nintendo DS, 2005)
• Super Mario Strikers (Gamecube, 2005)
• Mario & Luigi: Partners in Time (Nintendo DS, 2005)
• Tetris DS (Nintendo DS, 2006)
• New Super Mario Bros (Nintendo DS, 2006)
• Mario Hoops 3-on-3 (Nintendo DS, 2006)
• Mario Vs Donkey Kong: March of the minis (Nintendo DS, 2006)
• Yoshi’s Island DS (Nintendo DS, 2006)
• Mario Kart Arcade GP2 (Arcade, 2007)
• Super Paper Mario (Wii, 2007)
• Mario Strikers Charged (Wii, 2007)
• Mario Party 8 (Wii, 2007)
• Itadaki Street DS (Nintendo DS, 2007)
• Super Mario Galaxy (Wii, 2007)
• Mario & Sonic at the olympic games (Wii, 2007)
• Mari Party DS (Nintendo DS, 2007)
• Super Smash Bros. Brawl (Wii, 2008)
• Dr. Mario Online RX (Wii, 2008)
• Mario Kart Wii (Wii, 2008)
• Mario Super Sluggers (Wii, 2008)
• Super Mario Fushigi: No Norokoro catcher (Arcade, 2008)
• Mario & Luigi: Bowser’s inside Story (Nintendo DS, 2009)
• Mario Calculator (Nintendo DS, 2009)
• Mario Clock (Nintendo DS, 2009)
• Mario Vs Donkey Kong: Minis march again (Nintendo DS, 2009)
• Mario & Sonic at the olympic Winter games (Wii, 2009)
• New Super Mario Bros Wii (Wii, 2009)
• Super Mario Galaxy 2 (Wii, 2010)
• Mario Vs Donkey Kong: Mini Land Mayhem (Nintendo DS, 2010)
• Mario Sports Mix (Wii, 2011)
• New Super Mario Bros: Wii Coin World (Arcade, 2011)
• Super Mario 3D Land (Nintendo DS, 2011)
• Mario & Sonic at the London 2012 Olympic Games (Wii, 2011)
• Fortune Street (Wii, 2011)
• Mario Kart 7 (Nintendo DS, 2011)
• Mario Party 9 (Wii, 2012)
• Mario Tennis Open (Nintendo DS, 2012)
• New Super Mario Bros 2 (Nintendo DS, 2012)
• Paper Mario: Sticker Star (Nintendo DS, 2012)
• New Super Mario Bros Wii U (WiiU, 2012)
• Luigi’s Mansion: Dark Moon (Nintendo DS, 2013)
• Mario Vs Donkey Kong: Minis on the move (Nintendo DS, 2013)
• Mario & Luigi: Dream Team (Nintendo DS, 2013)
• Mario Kart Arcade GP DX (Arcade,2013)
• Mario & Sonic at the Sochi 2014 Olympic Winter Games (WiiU, 2013)
• Super Mario 3D World (WiiU 2013)
• Mario Party: Island Tour (Nintendo DS, 2013)
• NES Remix (Wii U, 2013)
• Yoshi’s New Island (Nintendo DS, 2014)
• NES Remix 2 (Wii U, 2014)
• Mario Golf: World Tour (Nintendo DS, 2014)
• Mario Kart 8 (Wii U, 2014)
• Super Smash Bros DS (Nintendo DS, 2014)
• Mario Vs Donkey Kong: Tipping Stars (WiiU, 2015)
• Mario Party 10 (WiiU, 2015)
• Puzzle & Dragons: Super Mario Bros Edition (Nintendo DS, 2015)
• Dr. Mario: Miracle Cure (Nintendo DS, 2015)
• Super Mario Maker (Wii U, 2015)
• Mario Tennis Ultra Smash (Wii U, 2015)
• Mario & Luigi: paper Jam (3DS, 2015)
• Mini Mario & Fiends: Amiibo Challenge (Wii U/3Ds, 2015)
• Mario & Sonic at the Rio 2016 Olympic Games (Arcade/3DS/Wii U, 2016)
• Minecraft: Wii U Edition (Wii U, 2016)
• Paper Mario: Color Splash (Wii U, 2016)
• Mario Party: Star Rush (3Ds, 2016)
• Super Mario Maker for Nintendo 3DS (3DS, 2016)
• Super Mario Run (iOS, 2016/Android, 2017)
• Mario Sports Superstars (3DS, 2017)
• Mario Kart 8 Deluxe (Switch, 2017)
• Minecraft: Nintendo Switch Edition (Switch, 2017)
• Mario Kart Arcade GP VR (Arcade, 2017)
• Namco Museum (Switch, 2017)
• Mario + Rabbids Kingdom Battle (Switch, 2017)
• Mario & Luigi: Superstar Saga + Bowser´s Minions (3DS, 2017)
• Super Mario Odyssey Switch, 2017)
• Mario Party: The Top 100 (3DS, 2017)
• Mario Tennis Aces (Switch, 2018)
• Super Mario Party (Switch, 2018)
• Luigi´s Mansion (3DS, 2018)
• Super Smash Bros Ultimate (Switch, 2018)
• Mario & Luigi: Bowser´s Inside Story + Bowser´s Jr.´s Journey (3DS, 2018)
• New Super Mario Bros U Deluxe (Switch, 2019)
• Super Mario Maker 2 (Switch, 2019)
• Dr. Mario World (iOS/Android, 2019)
• Mario Kart Tour (iOS/Android, 2019)
• Luigi´s Mansion 3 (Switch, 2019)
• Mario & Sonic at the Olympic Games Tokyo 2020 (Switch, 2019/Arcade, 2020)
• Paper Mario: The Origami King (Switch, 2020)
• Super Mario 3D All-Stars (Switch, 2020)
• Super Mario Bros 35 (Switch, 2020)
• Super Mario 3D World + Bowser´s Fury (Switch, 2021)
• Mario Golf: Super Rush (Switch, 2021)
• Mario Party Superstars (Switch, 2021)
• Mario + Rabbids Sparks of Hope

¡Suscríbete a nuestro canal!